Un po’ di tempo è trascorso da “Elements”, tanti concerti e tanto marketing…Einaudi è oggi un affermato, premiato e riconosciuto pianista nel mondo. Esce questo nuovo lavoro facente parte come primo di una collana articolata in 7 capitoli, 7 come i giorni della settimana. Ai svariati innesti strumentali nel sound degli ultimi suoi album Einaudi torna asciutto, asciuttissimo, minimal…si accompagna solo di violino, viola e cello. Il senso di solitudine e forte introspezione pervade ogni pezzo, a suo dire composto e ispirato da lunghe passeggiate tra le montagne innevate. Nulla di sorprendente, Einaudi è questo: ossessivo, ipnotico scrittore sonoro di malinconia ed inquietudine. Tutto questo avvinghia ogni pezzo di questo lavoro che sembra avvicinarsi alle Colonne Sonore, all’accompagnamento di immagini che crescono nell’immaginazione dell’ascoltatore, solo, tremendamente solo con un tempo a disposizione necessario per ascoltarlo tutto, per intero, perché così va ascoltato e apprezzato. “Gravity” sembra uscita dal Philip Glass di “Metamorphosis”, le tre parti di “Low mist” fanno il verso a “Time” di Hans Zimmer e la Var. 2 è un meraviglioso gioiello sonoro che rimanda all’intensità di “In un'altra vita”. “Matches” riporta al periodo sussurrato di “Ascolta”, “Golden butterflies” a quello “delle nuvole”, “Cold wind var.1” e “Fox tracks” alle contaminazioni degli ultimi lavori, “Ascent” insegue timidamente gli arpeggi e le fughe di “Divenire”. E’ un gran disco, probabilmente il più bello della sua lunga discografia, ispirato, ben costruito e così silenzioso da farsene avvolgere come fiocchi di neve che ci si adagiano nella nostra mente e soprattutto nel nostro cuore.
Best tracks: "Low mist var. 1 e 2", "Matches", "Cold wind". 8/10

 

La caparbietà e la passione di Mick Moss riesce a tenere ancora in vita il suo difficile progetto musicale e sembra crescere con un consistente e fedelissimo pubblico, seguace principalmente degli Anathema, perché Antimatter ne è la loro costola! Dall’iniziale elettronica dark dei primi album, il suono si è trasformato più acustico e asciutto ma resta sempre su territori gotici e melodici. La bellissima voce di Moss (dall’incredibile somiglianza timbrica a quella di Eddie Vedder) è qui al servizio di pezzi che si arricchiscono di strumenti sorprendenti: sassofoni, flauti e kamancha. La prima parte è più convenzionalmente dark: l’incedere di “The third arm”, la cadenzata “Wish I was here” e la cupa e cosmica ritmica di “This is not utopia” si avvale di tastiere floydiane alla “Welcome to the machine”. “Partners in crime” sembra partorita dalle reminiscenze dei Fields of Nephilim o dei Theatre of Tragedy ma anche dalle idee dark di John Carpenter. Con “Sanctification” si intraprendono nuove strade. E’ apprezzabile il ritmo sincopato a cui è ben avvolto il vocalizzo di Moss che esplode poi con l’intervento sassofonista. Le atmosfere si fanno mediorientaleggianti con l’inclusione del kamancha in “Existential”. C’è spazio per un bell’intervento acustico  ed intimistico in “What do you want me to do?”. Se il rock di “Beetween the atoms” può passare inosservato, diversamente vale per l’incedere di “Liquid light” che chiude l’album in un atmosfera spaziale. Certamente tra i lavori meglio riusciti ed ispirati di Moss che ha cercato di variegare e articolare la sua musica, ancora limitata dal suo cantato troppo monotono e da spunti strumentali piatti.
Best tracks: “This is not utopia”, “Sanctification”, “What do you want me to do?”. 7/10

 

Il seguito di “The astonishing” arriva dopo 3 anni e si cambia registro: l’epicità del concept precedente è sostituita da sonorità più metal, le tastiere che predominavano nel precedente lasciano lo scettro alle sei corde di Petrucci. E’ un disco che richiama il periodo più diretto di “Octavarium” fino a “Black clouds...” ma  forgiato delle bellissime linee melodiche e armonie vocali degli ultimi lavori. L’open track “Untethered angel” ben riassume quanto detto, un pezzo tiratissimo e ben arrangiato in cui La Brie cuce e trascina un ottimo refrain. La successiva “Paralyzed”  passa inosservata per la sua scontatezza, non altrettanto per la splendida “Fall into the light” che poteva essere tra i pezzi di “The astonishing”. Bellissime linee melodiche con un Petrucci in cattedra: solo e rifiniture davvero emozionanti. “Barstool warrior” trasuda un tecnicismo iniziale che rimanda agli ELP fino a sbocciare su territori più melodici condotti prima dal piano di Rudess e poi ancora da un Petrucci superlativo. “Room 137” è più astrusa e drammatica, dalla ritmica forbita e sonorità effettate in cui ci sembra di ascoltare anche un chitarrismo “alla Satriani”. Un bellissimo giro di basso di Myung introduce “S2N”, un brano dalla ritmica avvincente, e qui i virtuosismi di Petrucci si sprecano! Si giunge a “At wit’s end”, per caratteristiche una falsariga dell’open track: un inizio tiratissimo prende binari più contemplativi, note lente, cadenzate e straordinariamente emozionali, arrangiamenti esemplari con un Petrucci ancora trascinante. Dopo un finale così non mi sarei certo aspettato un altro pezzo emozionale, invece la ballata “Out of reach” è da brividi. L’album si conclude con la prog “Pale blue dot” carica di virtuosismi e arrangiata alla “DT sound” 100% senza nulla aggiungere a quello che già si conosce. Insomma il disco poteva apparire ripetitivo e arido di soluzioni dopo una discografia ampia ed inarrestabile, no! Non è stato così, nessuna band così ipertecnica sa spingersi così efficacemente nel cuore.
Best tracks: “Fall into the light”, “Barstool warrior”, “At wit’s end”, “Out of reach”. 8/10

 

Lui è il Genio cosmico, l’Argonauta del suono, il Mozart dell’elettronica, il Magritte della musica, insomma un visionario per metà uomo e per metà extraterrestre che ci traghetta verso Universi astrali ed ancestrali con un Arte di cui sembra detenerne autorevolmente il trono di pioniere precursore massimo, se non altro per la sua indiscutibile capacità di aver saputo comunicare un genere così astruso ad un pubblico fin troppo numeroso (a differenza dell'altro guru Klaus Schulze). Jarre puntella ulteriormente la sua lunga discografia con il sequel della sua seconda opera di successo: “Equinoxe”. La prima, “Oxygene”, fu rielaborata solo due anni fa e fu un autentico capolavoro. Il settantenne musicista francese non è solo straordinariamente attivo ma anche ispiratissimo: i suoi 4 album negli ultimi medesimi anni rappresentano il meglio della sua intera opera. La sua maturità sembra incedere al totale beneficio e perfezionamento della sua Arte e  con “Equinoxe infinity” è possibile evidenziare anche la cura del packaging. La grafica propone due possibilità: i celebri “watchers”  sono replicati moai  dentro paesaggi solari ed eterei o dentro paesaggi alienanti, alienati da cyber-avvenimenti distruttivi. Due scelte trasversali dell’equinozio! La partenza di questo viaggio rivoluzionario è solenne, Jarre ci apre le porte, anzi pesanti e regali portoni, e possiamo iniziare a scorgere ed ammirare il paesaggio surreale di totem volanti in un tempo infinito. “Flying totems” è un po’ l’inno musicale del musicista francese che ci rimanda inquivocabilmente ai tempi di “Industrial Revolution”, un’accennata melodia trainante dentro una danza vorticosa di contrappunti metallici e sinusoidali. Con “Robots don’t cry” ci fa scorgere i particolari, il tempo si diluisce e rallenta sensibilmente, un mellotron avvolge l’atmosfera e violini sintetizzati e piangenti conducono questo passaggio di pura poesia nella quale improvvisamente piomba in un silenzio celebrato da gocce pianistiche immensamente calibrate. Ormai siamo dentro universi floydiani ed è il momento di staccare tutto e perdersi nel pezzo più seducente: “All that you leave behind”. Un ritmo blando ma preciso ci slega da tutto e fluttuiamo liberi da quello che è stato, nella sequenza strepitosa di 3 note cullanti. “If the wind could speak” è un breve e balbettante intermezzo che rimanda piacevolmente ai tempi di “Chronologie” ma è anche il corridoio ai rimandi danzerecci della produzione ’80, con tanto di rispolvero del Fairlight. “Infinity” è una giocosa parentesi funzionale. Il ritmo si fa palpitante ed i  vagiti robotici di “Machines are learning” ci catapultano ancora nel cuore di questo viaggio. “The opening” è un revival di suoni e melodia avvincente, un architettura perfetta di sequenze, che ci tiene ostaggi incantati. Si giunge al termine: prima “don’t look back” funge da reset mantrico e poi “Equinoxe infinity”, un ambient in cui riecheggiano suoni sinusoidali, liturgia di un andare e venire, apparire e scomparire nella magia infinita di un grande Jean Michel Jarre.
Best tracks: “Robots don’t cry”, “ All that you leave behind”, “The opening”. 8/10


DREAM THEATER in tour:
Date tour in Italy:  Villafranca di Verona, at Rock the Castle, 5 july 2019.

DREAM THEATER will release the new album "Distance over time" on 22th february 2019.

MUSE in tour:
Date tour in Italy:  Milano, at Stadio San Siro, 12/13 july 2019, Roma, Stadio Olimpico, 20 july 2019.



 

Il duo austrialiano ha dipinto in musica “paesaggi sonori di incommensurabile grandezza e solenne bellezza, tra percussioni africane, folk celtico, canti gregoriani, mantra mediorientali e art rock”. Veri innovatori di un genere da loro stessi creato, veri sperimentatori nella Musica contemporanea. Con queste premesse l’attesa di un nuovo lavoro diventa un Evento: l’attesa è durata 6 anni dal bellissimo “Anastasis”. Il talento di Brendan Perry e la voce straordinaria di Lisa Gerrard sono al servizio di un disco molto più arioso e solare del precedente, non c’è traccia di Gotico o Darkwave ma vera World Music. Un viaggio in due atti che abbraccia l’intero continente: dal Messico, a cui si riferisce la cover, agli indiani d’America, dal Medio Oriente alla tribalità dell’Africa Nera attraverso l’utilizzo anche dei più disparati strumenti (flauti corsi, fujara, gadulka, cornamuse, tamburi ancestrali…). L’assenza quasi totale delle chitarre di Perry (che si sbizzarrisce però con tante inclusioni di “nature recording”) non permette di accostare questo viaggio a molti dei lavori firmati dall’ultimo Mike Oldfield ma i luoghi e le vicende descritte sono le stesse. Ecco, forse manca di un effetto sorpresa, dell’idea compositiva geniale applicata al genere ormai conosciuto, risentito. Una loro esibizione "live" è però imperdibile, un Evento nell' Evento! A Milano, dunque.
Best tracks: “Act I” e “Act II”. 7/10
 

Al terzo anno scocca puntuale il nuovo album dei Muse. Anche questo potrebbe far pensare ad una robotica produzione dettata da esigenze discografiche (business) e non creative… ma rimane un dubbio per molte band, oramai.  Quel che è inoppugnabile è il potenziale ancora inespresso della band che gira intorno, album dopo album, per lasciare un sigillo musicale talvolta vicino (“Resistance”) ma mai davvero raggiunto. Io sono convinto che il limite resti circoscritto proprio dal suo pubblico (giovanissimo e aggiungerei troppo “popolare”) che “impone” il business a cui prima accennavo. E’ certamente apprezzabile il tentativo di Bellamy e Co. nel  dare sempre un tema musicale diverso ad ogni album partorito, ma ancora risultano esperimenti poco riusciti, inconclusi. Soprattutto con quest’ultimo “Simulation theory”, il suo sound, quasi new wave, mi risulta confuso tra pezzi che non sembrano avere coesione e direzione. L’apertura ben sintetizza la mia analisi. “Algorithm”  rappresenta al meglio le intenzioni del geniale Bellamy, che poi vanno disperdendosi nei “passaggi” successivi: ritmica cadenzata in un incedere ipnotico che alterna magistralmente i vocalizzi del leader inglese, la mescola di un “sound artefatto”(elettronico) e di un altro suonato potrebbe lasciar presagire ad interessanti sviluppi, potrebbe.  Invece con “The dark side” si è ricatapultati nell loro marchio di fabbrica,  di album basilari come “Absolution” e soprattutto “Black holes…”. Anche “Pressure” poteva essere in qualunque album precedente, ma senza farsi ricordare. “Propaganda”, invece,  sarà stata pescata nella discografia di Prince! Musicalmente contiene passaggi interessanti ma sostanzialmente preferisco ascoltarmi l’autore originale, se proprio devo! Anche “Break it to me” ha un idea di base stimolante, con ricerca sonora quasi industrial, ma non sembra poi coinvolgere troppo emotivamente. “Something human” mi annoia, e annoia. “Thought contagion” è sconcertante nel suo bieco proposito commerciale, da stadio. Di “Get up and fight” è davvero apprezzabile una ritmica inedita e bislacca ma subito cancellata da un refrain insostenibile, nella sua banalità!  La struttura di “Blockades” ha una bella base campionata, il pezzo tentenna a prendere una direzione che poi si trascina con un bel work di chitarra elettrica. “Dig down” è imbarazzante nella sua totale inutilità. Finalmente si chiude con l’ultimo dei 3 soli pezzi a superare appena i 4 minuti! “The void” è un bel finale, coinvolgente e affascinante nella sua costruzione. Il Sound qui è centrato e conduce mirato, forse era proprio questa la direzione giusta da rovistare. Spaziale elettronica al servizio di una voce a tratti poetica, sublime. Peccato, ancora una volta.
Best tracks: “Algorithm”, “Break it to me”, “The void”. 7/10


RiVERSIDE in tour:
Date tour in Italy: Roma, largo Venue, 16 march 2019.

TOTO in tour:
Date tour in Italy: Marostica, Piazza degli Scacchi, 03 july 2019, Roma, Auditorium Cavea, 04 july 2019, Lucca, Summer Festival, 05 july 2019.

TEAR FOR FEARS in tour:
Date tour in Italy: Milano, Forum Mediolanum, 23 february 2019, Padova, Kioene Arena, 24 february 2019, Roma, Auditorium Parco della Musica, 09 july 2019, Lucca, Summer Festival, 10 july 2019.

SMASHING PUMPKINS in tour:
Date tour in Italy: Firenze, Firenze Rocks, 13 june 2019.




 

L’inconfondibile voce e lo stile del frontman Billy Corgan hanno esploso e forse sopravvalutato il progetto musicale dei Smashing. All’interessante ritmica non si è mai troppo affiancato altro per sostenere musicalmente nel tempo il marchio della band. Dal deludente “Monuments to an Elegy” del 2014 i 4 tornano senza apportare migliorie o novità compositive e non sembra che la ricomposizione della band originale (con James Isha e D’arcy Wretzky) abbia apportato un contributo sostanziale in tal senso. Anzi, il recupero di vecchi elementi ha solo richiamato al Sound del passato: siamo lontani dunque dal capolavoro di “Mellon Collie..”, le divagazioni modernistiche ed elettroniche di “Machina I” o la “progressione” di “Oceania”. “Shiny” contiene bei pezzi puzzle della loro carriera ma senza sbalordire mai. Bell’inizio orchestrato e ritmico con “Knights of Malta”, e ancora con la “classic smashing” di “Silvery sometimes”. Dopo le inutili “Travels” e “Solara” ecco il pezzo più interessante, strutturato al piano e arricchito negli arrangiamenti da interventi orchestrali, “Alienation” è davvero bella. Il pezzo più sostenuto è “Marchin’ out” dopodichè ci si inabissa in un finale noioso e riscaldato…
Best tracks: “Alienation”, “Silvery sometimes”. 6/10

Un mio caro amico mi fece conoscere i Riverside nel  2006, quando la band aveva prodotto i primi 2 album, tutt’oggi i migliori della loro discografia. Oggi il mio amico non c’è più e neppure il chitarrista della formazione polacca spirato ad inizio 2016… è dunque il primo disco nel quale posso sentire una  mancanza estrema, feroce e desolante. La desolazione è l’atmosfera del concept di “Wasteland”: come sopravvivere al dolore? Con il dolore.  Piotr Grudzinski non è stato rimpiazzato ufficialmente come pure il mio amico Massimiliano, non è possibile. Dall’ultimo bucolico “Love, fear and the time machine” sono trascorsi solo 3 anni e poi c’è stata una bellissima raccolta di strumentali quasi ambient (“Eye of the soundscape”), ora però arriva la “prova del 9”…dimostrare se la band può andare avanti senza. L’inizio è dalla fine: “The day after”, una voce di Duda narrante e straziante che introduce “Acid rain”, tra i pezzi migliori. Musica Riverside 100%, riffoni, refrain/chorus avvincenti, inserti strumentali in cui sale in cattedra nel finale la chitarra di Maciej Meller, colui che si occuperà dei guitar solos dell’intero disco. Il single “Veil of tears” ricorda la zeppelliniana “Immigrant song” ed una struttura ritmica cara a Steve Wilson ma anche ai Dream Theater. La sommessa “Guardian Angel” è un dialogo tra piano e chitarra che accompagna la voce narrata di Duda. “Lament” sembra voglia alzare i toni e lo fa con una struttura compositiva interessante,  bellissimo violino nel finale come l'intera prova vocale di Duda. La successiva “The struggle for survival” è lo strumentale su cui fondono le migliori aspettative: parte bene con un super basso di Duda ma poi la chitarra non convince, facendo apparire il pezzo più una “jam session”. La ballata di “River down below” è davvero molto bella e rimanda al periodo d’oro dei primi 2 album: refrain avvincente e struggente con un super mellotron nel back e bel guitar-solo. “Wasteland” conduce ad un prog quasi vintage che si intreccia a riffoni alla Opeth. Il finale  è dedicato questa volta all’inizio : “The night before”. Un bellissimo lavoro pianistico di Lapaj che accompagna il lodevole e sorprendente cantato del leader della band Mariusz Duda. L’album non mi ha impressionato, non tanto per la qualità compositiva (ci sono parecchi spunti interessanti) ma proprio per una chitarra orfana e spezzata dal contesto, dal Riverside Sound. E’ troppo forte l’evidenza intrusiva di una chitarra (elettrica) ospite e comunque meno brillante per uno strumento portante nell’architettura (tecnica e compositiva) della loro musica. E poi la dinamica, poca dinamica, la batteria stessa sembra relegata ad un saltuario accompagno.
Best tracks: “Acid rain”, “River down below”, “The night before”. 7/10


DEAD CAN DANCE in tour:
Date tour in Italy:  Milano, at Teatro degli Arcimboldi, 26/27 may 2019.

DEAD CAN DANCE will release the new album "Dyonysus" on 02th november 2018.

ANTIMATTER  will release the new album "Black Market Enlightenment" on 09th november 2018.

 

L’intellettuale dell’elettronica, uno dei personaggi più enigmatici, astrusi e controversi del panorama musicale e non, il “musicista cosmico” ritorna con nuovo materiale dopo 5 anni dall’ottimo “Shadowlands”. “Ritorno” è un eufemismo perché la sua produzione è faraonica ed incessante, tra live, antologie e rarities…A festeggiare il suo 70esimo compleanno il guru dell’elettronica lavora su “Silhouettes” mirando all’austerità sonora ed effettistica, come lui stesso ci presenta: “una riduzione alle cose essenziali, nessuna grande distrazione, niente per forzare l’attenzione in una certa direzione, nessun effetto principale o espedienti, niente fronzoli o ritmi dominanti. Era importante per me dipingere le immagini nella profondità dello spazio, i campi sonori della tensione e dell’atmosfera “. L’iniziale titletrack ben sintetizza il concept nell’avvicendamento di lunghi pad e terminali aperture al moog ed ai loop che lo hanno reso celebre. Dipinge spazi cosmici come nessun’altro ed in questo è possibile contemplarne la bellezza nella successiva “Der lange blick zuruck”, in cui ermetiche melodie, come fossero dilatatissimi cambi di note, ne fanno avvertire la bellezza di quanto inizialmente rappresentato. Le atmosfere hanno un accenno drammatico nella generale sensazione di meraviglia e stupore. Anche qui con il passare dei minuti il pezzo incrementa e si rinvigorisce di accenni più ritmici e percussivi per poi ricongiungersi agli amati chorus. “Quae simplex” veste di texture familiari i mondi in cui siamo ormai immersi ed ipnotizzati. L’ultimo capitolo dell’album sembra volerci condurre nel soggiorno, aprire l’ultima porta di uno spazio da abbracciare, quello definitivo… ma si resta ancora sospesi e precari. Finisce così l’ennesimo viaggio cosmico proposto da Klaus, che  a differenza di Jarre non lascia alcuno spazio al respiro mondano e godereccio delle melodie e delle contaminazioni pop. Viaggiare con Klaus Schulze vuol dire immergersi totalmente nella dilatazione delle frequenze che ipnotizzano e contemplano la vastità della tavolozza di manopole che armeggia con ormai celebre maestria e  gusto. Non ho trovato nuovi spunti compositivi e sonori ma il disco bene sintetizza la raffinatezza della sua Opera intera.
Best tracks: “Silhouettes”, “Der lange blick zuruck”. 8/10

Dopo il capolavoro “Your wilderness” cosa partorirà ancora il genio di Bruce Soord? La risposta è abbastanza semplice: un superbatterista come Gavin Harrison in pianta stabile nella band. E lo spazio sembra prenderselo tutto lui, in effetti; anzi gli viene allestito dal geniale leader. A discapito delle melodie avvincenti e delle composizioni libere ed articolate degli album precedenti, si intuisce dai primi ascolti che qualcosa sia cambiato: le strutture vocali sono ora più cadenzate e le linee melodiche dettate da continui riff e parti ritmiche a sposare ed esaltare il drumming work.
Non a caso si parte con un pianoforte puntellato… e la sillabata (nonché sussurrata) “Not naming any names” apre bene il sipario. “Try as I might” cadenza perfettamente il drumming di Harrison sforzandosi di richiamare più possibile il Pineapple Sound tipico (ne è infatti un “single”!). A parte il bel guitar-solo finale non entusiasma particolarmente. Invece è la successiva “Threatening war” a far salire parecchio l’asticella: meraviglioso saliscendi ritmico in un ‘atmosfera trainata da un cantato superlativo di Soord e tutto il gusto del grande Gavin Harrison. “Uncovering your tracks” spiega bene come un pezzo poco originale nel repertorio TPT sembri volersi aiutare dal drumming anziché esserne impreziosito. La dinamica di “All that you’ve got” è davvero avvincente ed il pezzo è in pieno stile TPT, con interventi preziosi all’elettrica ed alle tastiere. Un bel pezzo melodioso e articolato come “Far below” non sfigurerebbe dentro “Into Wilderness”, ma per dire che nulla aggiunge se non un certo giro di accordi Wurlitzer dei Supertramp! L’intermezzo acustico di “Pillar of salt” introduce i due pezzi migliori dell’album, ed anche gli ultimi. “White mist” regala 11 minuti di atmosfere rarefatte, melodiche e malinconiche con innesti elettronici e percussivi di rara bellezza, qui Harrison dimostra davvero appieno il suo calibro. Se mancava lo special guest tanto amato da Soord, eccolo nel finale: è David Torn, il fantasioso ed attempato chitarrista calibra e colora ulteriormente la composizione di un sound graffiante. A chiudere c’è “Shed a light”, con una bellissima, memorabile e sussurata strofa che trascina il pezzo addirittura verso sentieri o sentori Porcupine Tree. E poi, che bello il lavoro chitarristico di Soord! L’album non regge il capolavoro precedente  nonostante l’apprezzabile tentativo di fare qualcosa di diverso, le idee sono rimaste confuse sul da farsi… nonostante qualche picco davvero riuscito. Sia bene inteso però: c’è bella Musica ma Soord ci stava abituando troppo, troppo bene.
Best tracks: “White mist”, “Shed a light”, “Threatening war”. 7/10


JEAN MICHEL JARRE will release the new album "Equinoxe infinity" on 16th november 2018.

PENDRAGON, IQ and RAMMSTEIN are in recording studio!

THE SMASHING PUMPKINS will release the new album "Shing and oh so bright, Vol.1" on 16th november 2018.

MUSE will release the new album "Simulation theory" on 9th november 2018.

NICK MASON'S A SAUCERFUL OF SECRET project in tour:
Date tour in Italy: Milano, at Teatro Arcimboldi, 20 september 2018.

THE PINEAPPLE THIEF in tour:
Date tour in Italy: Roma, at Largo Venue, 22 february 2019, Milano, at Santeria Social Club, 23 february 2019.

RIVERSIDE will release the new album "Wasteland" on 28th september 2018.

 

Ad un solo anno di distanza da “Fractured” esce il nuovo album del progetto solista di Mariusz Duda. Si tratta di “avanzi” del precedente e le sonorità ne sono una vera continuazione. Tra ballate ed intermezzi acustici, divagazioni floydiane, segnalo l’elettronica  più melodica di “Trials” e quella più percussiva di “Shadows”. “Rinsing the night” sembra spuntare da un film western o un documentario di avvincenti safari. Molto interessante “The art of repairing”, in un crescendo ritmico sembra di rivivere le atmosfere oniriche (e di parsoniana memoria) di “Tales of Mystery…”. Il motivo ipnotico ed onirico di “He av en” è l’inizio ed anche il cuore dell’album, ripreso poi in “Under the fragmented sky”. Piacevole sentire, certamente, ma le composizioni non hanno nuovi nessi e non vi trovo neppure pezzi memorabili.
Best tracks: ”Trials”, “The art of repairing”, “He av en”. 7/10


 

Della mia adolescenza ricordo poche cose: si dice che il primo amore non si dimentica mai, il mio è stato per un uomo molto alto, magro, con i capelli di media lunghezza portati indietro, lunghi dietro la nuca , fino alla base del collo, gli arti lunghissimi si diramano da un busto normale, quasi piccolo ed aggobbito, le mani grandi ed un vistoso anello nell’anulare destro, e con i Ray-Ban sempre indossati, quasi che nelle rare occasioni in cui potevo scorgere i suoi enigmatici occhi celesti pietrificavo incantato. Poteva essere il suo aspetto così al limite del falotico ad impressionarmi, ma non fu un semplice colpo di fulmine, era amore (!), distante dalla futili e caduche attrazioni convenzionali. Nel 1987 il marchio Pink Floyd era la polpa di una diatriba convogliata nei Tribunali, li conobbi più approfonditamente in quel periodo e presi subito le difese per quell’uomo, descritto dispotico, megalomane, conflittuale, scorbutico, ossessivo, singolare e prodigioso, un perfezionista maniacale. Non poteva essere diversamente, era quello che cercavo per crescere come oggi sono! Iniziai dunque a drogarmi, di dischi, bootleg, notizie e rarità di ogni genere, riviste ed articoli ritagliati, viaggi con le sue musicassette…mi vestivo come lui ed anche le scarpe sportive bianche e slacciate erano una prerogativa per un ‘emulazione funzionale. Anche il 1992 lo ricordo bene: finalmente usciva il nuovo album “Amused to death”, era il 7 settembre, il giorno dopo il suo 49esimo compleanno. Ero il primo in fila alla Discoteca Laziale di Roma ed il CD (il mio primo CD) rimase adagiato e coccolato sul sedile passeggeri della mia piccola auto per tutto il tragitto di ritorno a casa, perchè allora i  lettori CD in auto erano rarissimi… Dopo quasi 10 anni finalmente Roger tornava sulle scene concertistiche, e solo nel 2002 lo vidi la prima volta dal vivo, a Milano, era il 10 maggio; in abito nero e Converse bianche, imponente, stupendo! Nel novembre del 2005 potei stringergli la mano e regalargli il testo di una mia canzone, eravamo fuori l’Auditorium di Roma.  Ogni possibile data italiana la presenziavo ma volevo regalarmi un viaggio/concerto all’estero per respirare un aria diversa, un atmosfera inglese! Quindi dopo un viaggio a Cambridge nel 2008 per “sentire” il profumo della sua casa, la sua infanzia ed i suoi esordi (tra le residenze, i luoghi ed i locali più disparati) volai alla Q2 Arena di Londra per il mio primo spettacolo di “The wall live”, era il 15 maggio del 2011. Tra queste date citate, tanti altri suoi concerti e tante siringhe di RW ad  alimentare al meglio la mia esistenza! Risparmio aneddoti curiosi (tipo l'inseguimento alla "commemorazione del padre" ad Aprilia il 18 febbraio 2014…) perché il discorso si fa ora serio:
Roger  ha oggi quasi 75 anni ma non è certo il tipo che si gode una pensione nella panchina di Central Park ad osservare scoiattoli o piccioni, la sua perseveranza e coerenza è inconfutabilmente dimostrata fino alla fine: ancora un lunghissimo tour di oltre 200 date, “US + THEM” tour, perché la sua linfa è ancora vivissima ed il suo messaggio perfettamente sincronizzato con la sua consapevole "mission"! Non è ufficiale, ma sarà probabilmente il suo ultimo tour e conseguentemente forse la mia ultima possibilità di vederlo “live”. Partecipo alla prima data indoor a Milano il 17 aprile 2018, salto quelle bolognesi, per “sferrare l’inverosimile” nelle 2 delle 3 uniche date outdoor del tour: Lucca l’11 luglio 2018  e Roma il 14 luglio 2018. Mi volge premura fare qualche (?!) considerazione sull’ultima tappa, quella romana.
Giungo nella maestosa ed incantevole location del Circo Massimo intorno le 16:30 e mi infilo nella folla per raggiungere le primissime file centrali (come a Lucca) ed inebriarmi di pazienza per RESIST all’attesa, nel caldo e nella folla che generalmente evito a priori. Alle puntualissime 21.30 lo SHOW can go on! Quando Lui calca il palco una vita che ci riguarda m’investe d’assalto ed ipnotizzato lo ascolto e lo intercetto con la mia Nikon sulla mano destra ed uno smartphone sulla mano sx, scatto, riprendo ed ascolto, ascolto l’immensità di una Musica senza tempo e guardo un uomo troppo umano per essere “solo” tale! Lo schermo del palco introduce una donna, da sola e di spalle, che per una ventina di minuti guarda il mare, nella sensazione di un attesa. “Speak to me” e “Breathe”, presentano il primo colpo: “One of these days”. Il basso di Roger in evidenza come le sue posture ed i suoi sguardi superimmortalati dai fotografi, arrangiamento del pezzo favoloso con Kilminster in grande spolvero. Con “Time” si entra nel clima “Dark side” ed il tempo sembra trapassare se stesso, fino alle urla bipolari delle Lucius che interpretano dolcemente il terrore e la paura in “Great gig…”, lo spettacolo visivo ha inizio davvero con la successiva “Welcome to the machine”. Uno dei pezzi più riusciti in questa versione live, immagini rielaborate e arrangiamenti  modernizzati con Roger impegnato sorprendentemente alla chitarra elettrica! Inizia la trilogia dei nuovi pezzi: la bella “Deja Vu” non mi ha particolarmente incantato live, meglio “The last refugee” e soprattutto “Picture that” che vede il mio beniamino scaldarsi politicamente e fisicamente, da un angolo all’altro del palco, con le sue gestualità, uniche. Si torna in clima “amarcord” con una bellissima e centratissima “Wish you were here”. La band è perfetta ed allenata. Con la minisuite di “Another brick…” si chiude alla grande la prima parte. Gli arrangiamenti presentano delle novità: è potentissima! Anche scenograficamente i ragazzini sul palco sono reinterpretatii diversamente dal “The wall tour”: incappucciati e sacrificati in tute arancioni, come prigionieri lasciano un messaggio chiaro: RESIST! Come suo solito, Roger non rende vano il tempo (mai!) di recupero tra la prima e la seconda parte ed intrattiene il pubblico con una serie lunghissima di messaggi politici attraverso il solo lungo schermo di oltre 60 metri. Gli avvertimenti ed i suggerimenti sono quelli che un vero fan di Roger ben conosce, e non risparmiano nessuno. Il cuore della scaletta sta per battere ora più che mai: clima sonoro allarmistico cala al Circo Massimo, 4 ciminiere fumanti della Battersea Power Station spuntano  e si elevano imponenti sopra il superschermo del palco. Gli accordi acustici di “Dogs” hanno inizio, il pezzo è maestoso e la band la esegue in modo magistrale e teatrale! Indosseranno maschere da porci e se la godranno, mentre Roger espone cartelloni che ci ravvedono sui “Porci che controllano e dominano il mondo” e che “devono essere mandati affanculo”! Neanche il tempo per ricomporsi gli occhi lucidi e parte “Pigs”, beh solo il lavoro finale di Kilminster alla chitarra elettrica vale il biglietto, mentre un enorme maiale gonfiabile sorvola i 40.000 presenti. Tocca al giro di basso di  “Money” scuotere le lacrime ed al fido sassofonista Ian Ritchie rubare la scena poi anche con “Us and them”, giocata sulle sussurrate note che Jon Carin impartisce al piano. “Smell the roses” è l’ultimo pezzo del nuovo album presentato live e raggiunge il picco massimo quando Roger si incatena  con le braccia sollevate sulla testa, la sua teatralità è sempre emozionante! La spettacolarità scenografica raggiunge altre vette con la chiusura, dedicata a “Brain damage” ed “Eclipse”: da 4 vertici posizionati davanti il palco partono raggi laser che disegnano un enorme prisma che si colora nelle ultime note, nonostante “tutto alla fine sia eclissato dalla luna”! Roger prende parola con il pubblico e presenta la band, ma è solo una scusa perché avrà molto altro da dire e lo farà con commozione vera: “Restate umani!” e “Partecipate alla vita politica perché qualcun altro non lo faccia al posto vostro per distruggere  o limitare la vostra vita e quelle delle generazioni future”, “Resistete!”… solo ora può partire il bonus per Roma che è “Mother”, e poi  la classica ed inesauribile “Comfortably numb” che vede nello schermo 2 mani avvicinarsi lentamente e stringersi sulle note strazianti ed avvincenti del solo di chitarra elettrica più bello e conosciuto al mondo, affidato sempre ad un David Kilminster superlativo. La passerella finale dei musicisti ed i ringraziamenti vedono un Roger visibilmente emozionato che batte il pugno sul cuore, rimandando l’uscita più volte come forse quella dalle scene, è questa la speranza mia e forse anche la sua. E se la donna sullo schermo ora la si vede abbracciare il suo bambino che attendeva dal mare, vuol dire che la speranza non può essere sempre un illusione.
Grazie immensamente Roger Waters.

Road to Lucca...

Da una costola  del vecchio sound di Marillion e Pendragon, la band inglese di Clive Nolan continua a mietere godibilissima Musica. Partiti oltre 20 anni fa con un Prog classico, hanno saputo rinnovarsi e trovare un punto d’incontro anche tra gli estimatori di un Rock più contemporaneo come gli attuali Asia e Threshold. Notevole è stato l’innesto alle vocals di Paul Manzi, che ha saputo imprimere maggiore empatia (soprattutto in studio) al freddo cantato di Rob Sowden, firmando i 3 ultimi album come tra i più riusciti della loro discografia. Il carattere più commerciale degli ultimissimi lavori viene ora ulteriormente rielaborato per convogliarlo come trade-union con il lavoro capolavoro datato 1998: “The visitor”. L’album fondamentalmente evidenzia la presenza di una lunga suite di oltre 20 minuti e l’assenza di importanti solos chitarristici di John Mitchell.
Si parte forte con “Zhivago wolf”: arpeggi fatati di Nolan, armonie vocali irresistibili e le corde elettriche che  tessono e ricamano ad arte le trame di un ‘epica apertura. La successiva “The mirror lies” è affidata invece ad un arpeggio chitarristico vincente, capace di trainare il pezzo (con il bellissimo cantato di Manzi) in una ballata vincente, e sono i tasti d’avorio di Nolan  qui a ricamare sortite epiche. La debole “Scars” si fa notare per l’unico solo di Mitchell, in grande evidenza. Il dialogo tra la frase di un organo e quella di un riff chitarristico fondono e fondano la successiva “Paradise of thieves”, arricchita anche di un refrain vincente. “Red eyes” è Arena 100%: composizione variegata e complessa (alla Yes)  tra organi solenni, drumming vivace, vocoder, arpeggio gilmouriano di sottofondo…La più pacata ed acustica “Poisoned” funziona da detonatore ed apripista alla lunga suite di “The legend of Elijad shade”divisa in 7 parti: i fasti dell’epiche “Sirens” o “Jericho” sembrano rivivere nella parte iniziale (“Veritas”), la parte seconda (I am here”) è una ballata eccezionale che vede ancora Manzi in grande spolvero come nella successiva (“Saevi manes”) potenziata da un gran lavoro dei tasti magici di Nolan, atmosferica è invece la quarta parte (“It lies”) con sopraffino lavoro di Mitchell alle corde elettrificate e puntuali risposte tastieristiche, i ritmi accelerano con “Tenebrae” che contene un bel motivo di Mitchell, “Omens” introduce con favolosi motivi beethoveniani la progressiva e finale “Redemption” che ci ricorda anche di un Mitchell apparso un po’ troppo illustre ospite. Ed è forse questo l’unico rammarico di uno splendido lavoro che poteva essere firmato solo Nolan e Manzi, considerando che anche il bassista storico Jowitt ha lasciato il posto a Kylan Amos.
Best tracks: “Zhivago wolf”, “The mirror lies”, “The legend of Elijad shade”. 8/10

La band norvegese giunge al suo quindicesimo anno di splendida attività proponendo un originale Rock progressive di chiara cultura nordica: attenzione alle melodie (melanconiche), arrangiamenti articolati e privi di solos, gusto classico per pianoforte e violino a trascinare il cantato del leader Jan Henrik Ohme.
Ancora un disco sussurrato e con continui saliscendi ritmici; ne è la prova l’iniziale “Soyuz one”: l’arpeggio ipnotico si intreccia alla voce sussurrata di Ohme e alla breve melodia pianistica fino ad esplodere con il chiaro e portentoso sostentamento della sezione ritmica…è un pezzo che acquista i giusti apprezzamenti dopo ripetuti ascolti. “Hypomania” sembra uscita dal cilindro di Thom Yorke dei Radiohead in studio con i Muse. I ritmi si placano e le note di piano e violino riprendono il tema (musicale) centrale con la splendida, breve  “Exit suite”, un affresco alla Monet musicista! La successiva “Emperor Bespoke” propone ritmiche più folkeggianti con la presenza timbrica di banjo, violino e piano che galoppano vicendevolmente rispettosi in un atmosfera dal sapore tipicamente scandinavo. “Sky burial” accenna uno spostamento ad Oriente ma gli archi dichiarano il pezzo più strettamente cinematografico, e le note ipnotiche del piano ne accentuano la drammaticità. “Fleeting things” è padroneggiata dai vocalizzi di Ohme ma resta comunque abbastanza anonima, nonostante i temi trattati siano nobili e complessi. I saliscendi ritmici e l’epicità melodica, come marchio di fabbrica della band, sono tutti compresi nella successiva e bellissima “Soyuz out”. Il gioco (sapientemente) intrecciato di archi, cori, batteria elettronica, ritmica potente e basso pulsante, samples e chitarre elettriche distorte rimandano a pezzi epici come “Dream of stone” o “Upside down”, ma se serviva l’effetto sorpresa, il finale, prima jazz e poi floydiano con tanto di mellotron d'annata, è servito! “Rappaccini” chiude brillantemente e melanconicamente un disco piacevole. Sicuramente il migliore dai tempi di Tik Tok (il mio preferito), l’unica pecca resta nella sostanziale incapacità della band di sperimentare ancora nel loro stesso e ben identificato stile che hanno saputo conquistare
Best tracks: “Soyuz one”, “Soyuz out”, “Rappaccini”. 7/10

Dopo 15 anni Billy Howerdel e Maynard Keenan alimentano il progetto APC con il terzo album. La magnifica voce dei Tool è espressa alla sua migliore performance. Sin dall’opener e omonima “Eat the elephant” è Maynard ad impressionare, intreccia vocalizzi sussurati e cangianti all’interno di un pezzo coinvolgente ed emozionale, dagli arrangiamenti sublimi, sempre puntellati dal pianoforte e dalla ritmica raffinatissima.  “Disillusioned” ha tutto di un grandioso hit-single, refrain vincente e cantato superlativo. Dopo l’anonima “The contrarian”, è la ritmica ed enigmatica “The doomed” ad ammaliare con i suoi saliscendi. Con “So long, and thanks…” si torna su una composizione più classica, in cui emerge un bel tema melodico arricchito da brillante apporto chitarristico.  “Talk talk” parla senza apici, cadenzata e scarna. “By and down the river” contiene l’unico vero guitar-solo. “Delicious” sembra qualcosa di rubato al grunge. Dopo il breve ed inutile intermezzo tastieristico di “DLB” si giunge ad uno dei pezzi più interessanti: “Hourglass”. Voce vocoderizzata in una ritmica rappata costruita sulla puntellatura ipnotica del piano. Un pezzo molto “Faith no more” e davvero riuscito! “Feathers” scorre senza clamori e lascia  lo scettro all’altro capolavoro dell’album: “Get the lead out”. Sembra di ascoltare i King Crimson che incontrano i Depeche Mode! “Eat the elephant” è un bellissimo lavoro, originale ed ispirato, come pochi ne escono nel mondo discografico commerciale e attuale.
Best tracks: “Eat the elephant”, “The doomed”, “Hourglass”. 8/10

Puntuale e irrefrenabile la nuova uscita che si aggiunge alla portentosa discografia del guitar-hero statunitense. Cambio di formazione che annucia il ritorno ad un Satriani più “classico”: Chad Smith alla batteria e Glenn Hughes al basso. L’introduttiva “Energy” ed “Headrush” sono up-tempi in cui emergono grandi “legati” nella prima e bella cavalcata al basso di Hughes e grande solo di Satch nella seconda. I pezzi più sperimentali e interstellari del precedente e bellissimo “Supernova” li troviamo in “Thunder high on the mountain” e “Righteous”. “Cherry blossoms” è tra i pezzi più convincenti e forte è il rimando al periodo “Surfing with…” con un’avvincente arpeggio in minore a trainare una composizione articolata e intimista. Il classico Satriani alla “The extremist” lo troviamo in “Smooth soul”, le “zone deboli” e scontate le troviamo in “Catbot” e “Looper” mentre meritevole è la title track “What happens next”, pezzo magistralmente pensato, costruito e suonato. Altro bel pezzo è “Super funky badass”, un funk psichedelico dall’esemplare groove in cui Satriani mantiene una costante sospensione fino a librarsi, saltuariamente, in passaggi quando melodiosi e quando misteriosi! A proposito di sperimentazioni e stranezze abbiamo una “Invisible” che è una magia di virtuosismi prima della chiusura dedicata all’ Hendrix Sound di “Forever and ever” in cui ci viene proposto anche un pulitissimo solo di rara bellezza. In questo vero collage del “Satriani Sound” è possibile apprezzare degnamente la sua abilità sia in termini di velocità che feeling, compiutezza d’intenti e pulizia del suono, all’interno di composizioni che non eccellono certo per originalità.
Best tracks: “Thunder high…”, “Cherry blossoms”, “Super funky badass”. 7/10
 

Il successore dell’ottimo “Helios/Erebus” arriva dopo 3 anni e la band irlandese sembra calibrare con sempre maggiore perizia l’esperienza accumulata nel campo in cui sono visti primeggiare da anni, il cosiddetto post-rock. Già l’iniziale “Epitaph” ci introduce nell’etereo ed ipnotico mondo dei GIAA, un pezzo strutturato su un’ inusuale sequenza al piano. Si fa ricordare. La successiva “Mortail coil” spinge sull’accelleratore tra vorticose distorsioni chitarristiche e base tastieristica, i cori finali firmano un bel pezzo. I ritmi scendono blandi e affascinanti con la melodiosa e struggente “Winter dusk/awakening”, potrebbe apparire scontata ma è concepita e arrangiata invece in modo impeccabile, basta “capire” la parte finale. Scontata può invece essere “Seance room” che viene subito dimenticata dalla stupenda “Komorebi”, poesia alla Sakamoto. Mondi stellari riecheggiano in “Medea” che invoca tutto “l’Astronaut sound”. Ancora il minimalismo pianistico ed elettrificato di “Oesin” chiude  l’album nel modo più azzeccato per indicare la via del nuovo corso della band. La band riprende il loro celebre “All is violent, all…” e lo nutre d’esperienza e musicalità... non era facile “reinventarsi” in uno stile limitato.
Best tracks. “Epitaph”, “Mortail coil”, “komorebi”. 8/10

Dopo poco meno di 2 anni dal poco convincente “These systems are falling” il polistrumentista newyorkese partorisce un album meno gridato del precedente ma ne mantiene le basi stilistiche.
Già l’opener “Mere Anarchy” rimanda ad atmosfere tirate e claustrofobiche, la voce sussurrata ed un potente tappeto synth la rendono convincente e coinvolgente. Suoi “cavalli di battaglia” sono l’innesto delle voci femminili tra il suo cantato (“The waste of suns”) o il suo rappato (“Like a motherless child”, molto bella). La noiosa e risentita “The last of goodbyes” precede “l’inutile” “The ceremony of innocence”. Dopo la stanca “The tired and the hurt” finalmente è la voce Apollo Jane a riaccendere le attese nel contesto di una musica rarefatta che corrisponde a “Welcome to hard times”. La noia di “The sorrow tree” lascia spazio alla piu convincente e vocoderizzata “Falling rain and light”. La risentita “The middle is gone” e la sterile “This wild darkness” preparano il finale di “A dark cloud is coming”. Solo qualche sporadica intuizione interessante in un quadro sonoro che conosciamo già bene di un Moby un po’ stanco.
Best tracks: “Mere Anarchy”, “Like a motherless child”, “Welcome to hard times”. 6/10

Accostati al Post-Rock di Mogway e God is an astronaut, la band tedesca possiede una ritmica ed una dinamica ben più portentosa ed importante. Dopo gli ultimi 2 album che sperimentavano l’inclusione  delle vocals (molto convincente l'ultimo "Trips"), i LDC calibrano il loro Sound su quello che era il loro marchio di fabbrica testimoniato dal bellissimo “Avoid the light” del 2009. Ritmiche che richiamano i Rush ed i Tool ed atmosfere floydiane e porcupiniane sono gli ingredienti che forniscono questo bellissimo Rock strumentale ed atmosferico. I tamburi aprono i battenti nell’opener “Out there” e quando si diramano vorticosi i giri chitarristici di David Jordan e Florian Funtmann si capisce subito che sarà difficile restare immobili o disattenti, e tantomeno indifferenti, all’ascolto che verrà. Le 2 chitarre dialogano armoniose ed innamorate al cadenzare travolgente di un drumming sempre protagonista. La sospensione con cui si conclude il pezzo serve all’attacco devastante di “Ascending”, altro capolavoro che ci catapulta in uno spazio che non ha il tempo di pensare perché riff ed arpeggi vorticosi inebriano all’unisono senza respiro. “In the clouds” sussurra una linea dark-melodica (che sembra richiamare i Fields of the Nephilim) ma subito sconvolta ed arricchita da riffoni, sampler e ritmica frenetica in uno spazio crepuscolare. Il disco prosegue su questi paradigmi, forme d’onda che si dilatano e poi si raccolgono in un mantra senza fine: vale per la più eterea ed ipnotica “Like a river”, la sabbathiana “The far inside”, la pianistica (si fa per dire!) e variegata “On the verge”, la lenta e dilatata “Weightless”, ed il sommario finale di “Skydivers”. Il loro lavoro più maturo e centrato; resta il dubbio dove sapranno portare questo genere senza ripetersi (utilizzano solo chitarre e sampler)… se sapranno evolverlo ulteriormente entreranno nell’Olimpo della Storia del Rock.
Best tracks: “Out there”, “Ascending”, “In the clouds”.  8/10

Sono trascorsi ben 12 anni da quell’ultimo capolavoro di John Payne a nome GPS, ultima testimonianza di inediti che lasciava presagire ad una continuazione artistica di livello dopo che la “sua” band lo avesse scaricato per ridare spazio allo sfortunata e originale ugula di John Wetton. Parlo degli Asia, band di riferimento negli anni ‘80 con un Rock Aor autorevole e poi negli anni ’90 con un Rock più Prog grazie all’input creativo del bassista e vocalist John Payne. Da un decennio si attendeva un lavoro nuovo, più volte annunciato e più volte confuso a quale firma dovesse uscire.
Si attendevano gli “ASIA featuring John Payne” ed invece Payne spiazza tutti con nome nuovo ma stessa band consolidata negli anni, in cui vi spicca il talentuoso tastierista Eric Norlander. Se alla batteria troviamo ancora il fido Jay Schellen, alle chitarre si alternano veri eroi dello strumento (come da sempre voluto nel contesto Asia): Guthrie Govan e Jeff Kollman su tutti. Il disco suona come un ottimo bilanciamento tra le composizioni melodiche degli Asia ed i tecnicismi degli indimenticati GPS. L’opener "Brother in arms" è affidata ad uno dei brani meglio riusciti del full-lenght, lunga cavalcata dalle bellissime armonie ed intrecci vocali e guizzi chitarristici che culminano proprio alla chiusura del pezzo. “Strange days” è il single scelto, vincente in tutto: linea melodica, refrain, superbo lavoro tastieristico che apre ad  un grandioso assolo di Govan. “Amor vincit omnia” sembra uscita dal cilindro degli Asia periodo Payne: cadenzata e solenne marcia che ritaglia intermezzi operistici e poi pianistici. Con “Time waits for no one” si torna su territori molto più melodici e accattivanti. “A sorrow’s crown” sembra promettere tanto ma non decolla mai abbastanza, nonostante il gran lavoro di Norlander. Molto più convincente la successiva “Fourth of July” dalla solida struttura ritmica ben accompagnata da archi e tastiere fino all’incedere davvero coinvolgente di un finale degno di quegli arrangiamenti virtuosistici mai pomposi  e mai scontati. Il secondo e melodioso single corrisponde a “Seasons will change” e ci introduce al capolavoro finale: “Give another reason”. Autentico gioiello del disco e dell’intero “repertorio Payniano”, il brano parte atmosferico per aprirsi prima ad un inedito cantato quasi rap e poi al refrain che diventerà il cavallo di battaglia dell’intero pezzo. Un ritornello che si fa cantare, sempre più forte e sempre più magnetico nei minuti successivi grazie alle ispiratissime note tastieristiche, arrangiate magistralmente con il lavoro acustico ed elettrico di Kollman. L’attesa non è stata vana, Payne firma un altro disco bellissimo. C’è grande Musica.
Best tracks: “Give another reason”, “Brother in arms”, “Strange days”. 8/10

Edgar Froese muore 3 anni fa ed il figlio Jerome, già in pianta stabile da diversi anni, ne eredita l’arduo compito di tenere in vita i pionieri della Musica Cosmica o Krautrock. 50 anni di Musica senza tempo, infinita discografia sempre più al servizio delle Soundtracks. “Quantum Gate” integra idee del defunto Edgar e prosegue un viaggio quantico! Ampi, lunghi e dilatati tuffi in mondi cosmici, catapultati nella "trance" di sequencer ed arpeggiatori. Questo racchiude l’opener “Sensing elements”, che ai suoni stellari aggiunge qualche essenzialissima sequenza di note per accennare una melodia da ricordare, sul fondo una chitarra elettrica ritmata cerca coesione nell’infinito schieramento di impulsi elettronici. Ormai ipnotizzati nel vorticoso mondo cosmico, “Roll the seven twice” propone già il colpo di grazia! Qui un moog “alla Klause Schulze” è richiamato a firmare il pezzo più vincente dell’album, non si può restare inerti neppure con il corpo! “Granular blankets” parte molto dark per poi librarsi nelle estensioni “alla Vangelis”. “It is time to leave…” riconduce su sentieri danzerecci, “trance-dance” dai suoni un po’ vintage. La successiva “Identity proven matrix” gira intorno un accennata melodia solenne. Siamo già persi nello spazio e “Non locality destination” ce lo ricorda nella sua scarna e sconclusionata struttura, ed echi chitarristici sembrano volerci fare da bussola. Finalmente una luce sembra aprirsi a noi, lentamente si avvicina e scorgiamo delle forme, ancora irrisolte, in “Proton bonfire”. Nel limbo delle incertezze, sospesi e ricatapultati negli abissi sonori che hanno reso celebri i Tangerine, “Tear down the grey skies” contiene quelle brevi melodie di suoni vellutati ed accarezzati. Il viaggio sta per concludersi e “Genesis of precious thoughts” lo fa ricollegandosi al principio nello stridulo accompagno degli archi, il ciclo non ha fine. E neppure i Tangerine Dream l’hanno. Bravi, ancora.
Best tracks: “Sensing elements”, “Roll the seven twice”, “Genesis of precious thoughts”. 7/10

C’era d'aspettarselo. La mente creativa, e spesso geniale, degli Anathema avrebbe partorito un proprio lavoro solista prima o poi… ed arriva puntuale, quando la sua band è entrata ormai nell’olimpo di un pubblico ben selezionato. Nessuna sorpresa neppure sul sound di questo album, riprende precisamente i parametri per cui gli Anathema hanno trovato il loro successo: ritmi pacati, note dilatate ed ipnotiche, melodie avvincenti. L’apertura è proprio questo: “The exorcist” è costruita sulle sole note di un  pianoforte e un cantato ritmato. Coinvolge, si. “This music” vede la partecipazione alle vocals della bella, brava e simpatica olandesina Anneke Van Giersbergen, il risultato è però un anonimo pezzo quasi “country”. Come del resto la successiva, monotona e noiosissima “Soho”. Bisogna attendere “The silent flight of the raven…” per ascoltare una composizione con una struttura e sonorità più interessanti, pianoforte più articolato ed elettronica puntellano in un crescendo evocativo, dai rimandi floydiani più psichedelici. La breve “Dawn” ha il suo perché, nel suo arpeggio chitarristico è inserito un bellissimo violino che firma un atmosfera molto Anathema. Cavanagh non può stare troppo tempo senza le paranoie melodiose e spesso sdolcinate e lentissime, quindi torniamo sui sentieri di “Soho” con “Oceans of Time”, e sempre accompagnato da Anneke, ovviamente. Il pianoforte di “Some dreams come true” chiude più o meno come l’album è iniziato. Mezzo flop per Daniel Cavanagh: album monotono, scontato e monocromatico, troppo. Avevo ben altre aspettative, forse.
Best tracks: "The exorcist", "The silent flight...", "Dawn". 6/10

Il progetto solista di Mariusz Duda dei Riverside avanza senza indugi, e questo quinto lavoro ne rivela un identità sempre più forte, coesa e centrata, ma mai particolarmente originale e caratterizzante. Coadiuvato solo dal batterista Wawrzyniec Dramowicz, il musicista polacco si cimenta un po’ su tutti gli strumenti (escludendo la chitarra elettrica, assente comunque totalmente dal sound) e sperimenta nuovi vocalizzi. La partenza è spaziale con “Blood on the tightrope”, dal groove irresistibile: giro di basso vincente in cui si inseriscono loop di sintetizzatori, ritmica in levare e poi le note di piano che magistralmente incollano un pezzo esemplare per costruzione. Le successive “Anymore” e “Crumbling teeth…” risultano meno ispirate e vano risulta l’inserimento degli archi nella seconda, il cantato resta troppo piatto ed incolore. Molto più interessante nel suo crescendo l’onirica “Red light escape” che contiene (nel finale) un bel sound tastieristico anni 80 comprensivo di sax! La title track “Fractured”  è un intreccio ipnotico di basso, cantato corale e mantrico,  e tappeto tastieristico di fondo. Da un arpeggio chitarristico si dimena l’incedere di uno dei pezzi più convincenti : “A thousand shards of heaven”. Orchestrato e magistralmente ritmato richiama ai Marillion per  la pulizia sonora, e le trame mai invadenti ma percepibili ed apprezzabili in ogni strumento interpellato. La successiva “Battlefield” ripropone una base più oscura,  elettronica e percussiva che fa affiorare ai primi lavori dei Riverside. Bel finale con la conclusiva “Moving on”, sviluppata in Depeche Mode style, anch’essa percussiva ed elettronica, con un bel refrain. Il disco è assolutamente gradevole e apprezzabile nella sua interezza ma ancora una volta sembra manchi qualcosa perché il progetto “Lunatic Soul” esploda ad un livello superiore. Manca la genialata, il cantato rimane ancora troppo anonimo e nessun pezzo è proprio irresistibile a differenza del precedente che conteneva vette superiori.
Best tracks: "Blood on the tightrope", "A thousand shards of heaven", "Moving on". 7/10
 

La band inglese torna dopo 3 anni dal convincente “For the journey” con la dipartita del bravissimo vocalist Damian Wilson e l'ulteriore ritorno di Glynn Morgan. Dagli stessi annunciato monumentale, non mi sembra un adeguata descrizione se non perché è stato compreso in 2 CD! L’album è sulla scia stilistica del precedente: i pezzi sono tirati, dinamici  e melodici, belli ma ormai troppo ripetitivi. Non basta il refrain killer di “Small dark lines”, la trascinante e più moderna “Trust the process” (con un bel lavoro tastieristico di Richard West), i brillanti arrangiamenti della melodiosa ballata di “The shire - part 2” (ma anche la part 3 al piano), il mix Threshold Style di “Subliminal freeways” (doppia cassa, riffone, refrain vincente, breve guitar-solo melodico) o l’ariosa ballata finale di “Swallowed” a far fare loro quel salto di qualità per accreditarlo come album capolavoro o quel decollo tra le band simbolo e dalla forte identità. Un rock che per quanto brillante e gradevolissimo resta spalmato in modo quasi anonimo nella vastità del suo genere.
Best tracks: "Small dark lines", "Trust the process", "Swallowed". 7/10

La Norvegia distribuisce da oltre un decennio le band più interessanti nel mondo del Prog ed i Leprous ne sono un'altra testimonianza. Questo quinto loro full-lenght è finalmente il loro punto di coesione più riuscito dopo i primi esperimenti più Metal-Prog (“Bilateral” ) e poi Prog (“Coal”). Se ne definisce un identità ed emerge la loro vera anima, che è poi quella del leader Einar Solberg, versatile e talentuosissimo vocalist  e keyboarder. Avvicendamenti nella sezione ritmica della band hanno sicuramente contribuito a rallentare il processo evolutivo, ora raggiunto. Con l’iniziale “Bonneville” si parte subito alla grande: una dinamica jazzata su cui è puntellato il mostruoso cantato di Solberg fino a dilatarsi sui toni epici e solenni di un organo da brividi sopra un sussurrato loop elettronico. La successiva “Stuck” è più chitarristica e contiene un refrain avvincente ma anche un finale orchestrato e la presenza del violoncello di Raphael Weinroth-Browne (novità nella line-up). Tocca al pezzo più catchy dell’album: “From the Flame”, ancora refrain trascinante e memorabile, un hit costruito ed interpretato magistralmente. “Captive” è un proseguio un po’ anonimo se non fosse per alcuni interessanti spunti ritmici, preparatori per la successiva “Illuminate”! Riff avvincenti e Solberg ancora in evidenza. Come del resto anche in “Leashes” il buon Einar sprigiona vocalizzi maestosi che trascinano l’epicità del pezzo. Con “Mirage” si giunge al vertice musicale: ritmo sincopato, riffate che si chiamano e si rispondono sopra l’incessante incedere di un  sempre discreto loop elettronico. Nel finale il basso erge  fino al sentore complessivo di Porcupine Tree. Si tirano i remi con l’atmosferica “Malina” (capolavoro di armonizzazioni) e poi la più baroccheggiante “Coma”. Un riff alla Rush introduce “The weight of disaster”, una condenza di quanto finora ascoltato con tanto spazio alle performances della sezione ritmica. Chiude  “The last milestone”, un neoclassico, lirico ed orchestrato finale che rende gli onori all’ugola di Solberg, vero mattatore dell’intero album. Brividi, davvero. Leprous non sono più un mix di Opeth, Pain of Salvation, Gazpacho, Muse, ma sono i Leprous, perché una voce come quella di Solberg è solo dei Leprous.
Best tracks: “Bonneville”, “Mirage”, “The last milestone”.  8/10

Da oltre 20 anni sulle scene, sempre in continua evoluzione. Il fondatore, geniale frontman Kristoffer Rygg ha traghettato la sua “creatura allupata” prima nel black metal, poi nel trip-hop (di “Perdition City”), attraversando l’ambient e l’avantgarde (di “Shadows of the sun”) e l’elettronica cosmica  e solenne (“Messe” e “ATGCLVLSSCAP”) fino ad un uso dell’elettronica più Pop, diciamo alla Depeche Mode, come in quest’ultimo “The assassination of Julius Caesar”, in cui i testi cominciano ad essere importanti e particolarmente coesi alla musica. Sono rimasto affascinato dal personaggio Rygg e folgorato dalla Musica proposta: mai banale e sempre dettagliatissima, ordinatissima. L’iniziale “Nemoralia” fa capire subito gli intenti dell’album: singolo che ha tutto per essere canticchiato e ballicchiato! Refrain e cori femminili ammiccanti. “Rolling Stone” ha una base quasi tribale, un elettronica percussiva che si contrappone al cantato, ancora corale con le voci più  soul di Rikke Normann e Sisi Sumbundu. Alla fine il pezzo “impazzisce” nelle distorsioni elettroniche e chitarristiche. L’atmosfera si fa più dark nel mid tempo di “So falls the world”: sembra di sentire Dave Gahan tra i sintetizzatori più puliti e le melodie pianistiche, ma improvvisamente la band norvegese si proietta e chiude nei sentieri cosmici di Jean Michel Jarre! Ancora un bel pezzo da potenziale hit-single ("Southern gothic") è proposto magistralmente da Rygg per introdurre quello più inquietante e siderale dell’intero platter: “Angelus novus”. Loop spaziale e refrain irresistibile ne fanno un piccolo gioiello. L’atmosfera si alleggerisce con la seguente “Transverberation”, anche troppo. Ci pensa “1969” a tornare su territori più astrali. Sembra di ascoltare i grandi M83: atmosfere dilatate e ben definite con un cantato molto “eighties”. A chiudere ci pensa “Coming home”, il pezzo più astruso e complesso. L’iniziale atmosfera onirica ed ipnotica prende poi una direzione più decisa ed occlusa di ogni “stramberia”, in cui anche il sassofono presenzia e firma magistralmente un vero Kraut-Rock d’annata. Direi un gran bel disco, ispirato, coeso e ben prodotto, e aggiungerei anche che gli ULVER sono tra le realtà più interessanti di una Musica che propone idee vere, evocative ed emozionali.
Best tracks: "Angelus novus", "Coming home", "So falls the world". 8/10

Nessun altro suo disco è stato tanto chiacchierato prima della sua uscita come questo “To the bone”. Il guru dell’attuale scena Prog probabilmente se lo aspettava, come qualunque Artista veramente libero di esprimersi senza condizionamenti di quelle etichette che servono solo a chi necessita di comode (e spesso proficue) strutture identificative. “Wilson scende alla Pop Music”: chi ha stabilito la Pop Music rappresenti una discesa qualitativa? Chi ha stabilito che Wilson debba creare necessariamente una Musica circoscritta in uno stile conclamato? Domande a cui è pleonastico rispondere. Il suo primo lavoro solista “Insurgentes” fu, per stessa ammissione/dichiarazione di Wilson, un collage delle sue influenze musicali (che spaziavano dai Gong e Brian Eno, attraverso King Crimson e Pink Floyd, fino all’elettronica dei Kraftwerk al Pop di Tears for Fears, Peter Gabriel, XTC, Talk Talk…). Oggi, dopo altri 3 album in cui ha sviscerato ed evoluto il Prog fino al capolavoro di “Hand. Cannot. Erase”, ripropone quell’esordio, ma in modo più evoluto o, forse meglio, più accurato. I testi sono “social oriented” ed i temi molto attuali (fake news, manipolazione delle informazioni, terrorismo, immigrati…). “To the bone” parte come fosse Porcupine Tree di “In absentia” ma è solo un accenno destinato a sfociare subito in quella che è la direzione complessiva dell’album: melodie e ritmiche vincenti. Armonica e chitarra elettrica di Steve in evidenza, ma è il refrain etereo del cantato nella parte finale a far decollare il pezzo. La successiva “Nowhere now” sembra uscita dai “suoi” Blackfield, Popsong che si fa ricordare. Il duetto di “Pariah” sembra ispirata a quella meravigliosa “In your eyes” di Peter Gabriel con Kate Bush? Si, tanto  e bene. Ninet Tayeb risponde per le rime a Steven: pezzo intenso, da brividi, costruito magistralmente. Poi gli “Yes di Trevor Rabin” si percepiscono con la successiva “The same asylum as before”, irresistibile refrain e bel lavoro ancora di Steven alle sei corde. Tocca a “Refuge” convincere definitivamente sul valore di questo nuovo album: inizio ipnotico e struggente che scatena poi tutta l’arte compositiva di Wilson. Nell’incedere ritmico supportato da base campionata, si sprigionano all’unisono i cori, e l’armonica di Mark Felthame fino alla chitarra dilatatatissima e lacerante di Paul Stacey, nuovo ospite dei fidati del nostro guru. Ma serviva qualcosa  di più: ecco allora la solennità “dietro le quinte” di un organo gigantesco che supportasse questi minuti spaziali o, forse meglio, astrali! “4 note” al piano a chiudere questo capolavoro che lascia fluttuanti ed incantati. Ecco la discussa “Permanating”, vera disco song che fa il verso ad ELO (o se preferite Beatles) ed Abba, bel falsetto danzereccio anni 70. Il successivo  e gradevole intermezzo vocale assieme a Ninet introduce la più accesa e rockeggiante “People who eat darkness”, qui vi sento riecheggiare i Porcupine Tree di “Fear of  a blank planet”. Spudoratamente Prince è richiamato nella successiva “Song of I”, bel lavoro orchestrale in un atmosfera crepuscolare. Per accontentare (si fa per dire) i fans dei “long minutes” c’è anche il pezzo Prog che fa ancora l’occhietto  a “Fear of  a blank planet”, soprattutto con le chitarre. Nella seconda metà, spazio alle performances soliste in cui evidenzio l’irresistibile basso di Robin Mullarkey  ed il solo di David Kollar, altro “Lucky guest” dell’album. I membri collaudati della sua band, Craig Blundell e Adam Holzman (ancora superbo in tutto l’album), coadiuvano Steven Wilson da soli, nell’ultima traccia, che ha nel suo lento e  malinconico incedere chiare reminiscenze dei Porcupine Tree, magari del periodo più “easy” di “Stupid dream”. Non credo voglia essere un segnale per una reunion della gloriosa band perché Steven Wilson è ormai un artista solista consacratosi meritatamente attraverso una lunga “gavetta” fatta di passione, determinazione e gigantesco talento. I suoi molteplici lavori ad altro nome (Blackfield, No man, Bass Communion…) e le sue collaborazioni più disparate testimoniano l’anima musicale, inquieta e brillante di un Artista libero di spaziare dove vuole nella Musica di qualità, e questo suo collage (o collection!) di songs ne rende ancora alta testimonianza, senza aggrovigliarsi in stupide comparazioni. Non è certo un capolavoro (nessuna genialata) ma un disco pop-rock gradevolissimo realizzato ai massimi livelli. Tanto onore.
Best tracks: “Pariah”, “Refuge”, “Detonation”. 7/10

Il gothic rock dei celebri (nel settore) Fields of the Nephilim "rinasce modellato" con l' introduzione di più voci femminili nelle sonorità decadenti, dilatate ma sempre melodiche come nuovo apparato stilistico del progetto del bassista Tony Pettitt, giunto al quarto album. Ora sembra di sentire gli ultimi Theatre of Tragedy. Echi mediorientali sono spesso avvertibili dalla presenza del violino di Bob Loveday. Come per il precedente e fortunato “Half life”, special guest come Lee Douglas (Anathema) presenziano le registrazioni. Nel complesso trovo l’album meno ispirato del precedente ma rimane anch’esso un buon documento della loro musica proposta. Cito l’introduttiva “Verdades” in cui vi echeggiano atmosfere orientali nel cantato spagnoleggiante! Le linee facili, melodiche e malinconiche di “Misery”. “12th night”  sembra uscita dal cappello dei memorabili Fields: chitarre dilatate e mantriche con irresistibile refrain. La popeggiante “Ours again” e la ballata darkeggiante di “Let me in”. La crepuscolare ma potentissima “Words and deeds”, tra i loro pezzi più ispirati dell’intero catalogo.
Best tracks: “12th night”, “Words and deeds”. 7/10

Il ritorno nel 2014 di Christine McVie per alcune date live con i Fleetwood Mac ha permesso di preparare questo disco con il chitarrista della band Lindsey Buckingham. Una serie di prove ed intrecci (nel disco vi suonano anche gli altri membri dei Fleetwood Mac ad eccezione di Stevie Nicks) che culmineranno nel 2018 in un nuovo  e probabilmente definitivo tour mondiale della gloriosa band statunitense. Le sonorità nel disco non si discostano da quelle in cui la band ci ha abituati, e tra alti e bassi l’album risulta davvero godibile. Segnalo l’incedere di “In my world” in cui emerge tutta la genialità del chitarrista Buckingham, con tanto di avvincente ritornello. “Red sun” è la classica ballata Fleetwood, la pacata “Game of pretend” è firmata da un ‘ispiratissima Mcvie, articolata al piano e arricchita da preziosi cori. “Carnival begin” fa il verso a quella gemma che fu “I’m so afraid”: Mcvie alla voce e band al completo in grande spolvero, con tanto di guitar-solo finale del sempre mitico Buckingham. Pezzo bellissimo, a chiudere un disco certamente non sconvolgente ma decisamente onesto per  quello che la band statunitense ha regalato al Pop-Rock, tanto.
Best tracks: “In my world”, “Carnival begin”. 7/10
 

Gli Anathema anellano un tris di capolavori tra il 2003 ed il 2012, trovando la giusta formula stilistica  e compositiva. Dopodiché commettono il grave errore di pensare che la stessa debba essere vincente all’infinito. Le perplessità di “Distant Satellites” vengono infatti confermate ed evidenziate da quest’ultimo “The optimist”, che di ottimista dovrebbe avere davvero poco! La band continua a proporre i pezzi con la stessa formula: rock melodico contenente in apertura il pezzo veloce alla “Thin air”, la ballata stucchevole andante alla “Dreaming light”, lo pseudo prog alla “The storm before the calm”, l’elettronica di “Closer”… album con la stessa struttura. Le intenzioni conclamate dei protagonisti lo vogliono come sequel più dark di “A fine day to exit” ma il risultato non ne mantiene la linfa creativa e la purezza compositiva. I pezzi sono piacevoli, sia chiaro, ma nulla aggiunge e nulla entusiasma nel contesto della loro già ricca e bella discografia. La noia del single “Springfield”, di “Ghosts”, di “Wildfires”, è attutita da “Endless ways” in cui vi spicca la bella voce di Lee Douglas,  il crescendo ipnotico (“marchio di fabbrica”) della title track “The optimist” e della più effettistica “San Francisco”. Ci sono anche pezzi più tirati che rimandano all’indie di Interpol o anche ai Radiohead, soprattutto per l’utilizzo della batteria: “Leaving it behind” e “Can’t let go”. Interessante la seconda metà un po jazzata della sussurata “Close you eyes”. L’album è chiuso giustamente dalla melodica quanto scontata “Back to the stars”, sintesi cruda e crudele di quanto finora esposto.
Best tracks: "Endless ways", "San Francisco", "The optimist". 7/10

Nel corso di questi 25 anni di attesa dall’ultimo album in studio, Roger dichiarò più volte che aveva diverso materiale pronto per essere registrato e farne un nuovo disco: lo fece addirittura dopo l’uscita di “Amused to death”, poco prima e dopo l’opera “Ca ira”, e durante l’ultimo megatour di “The wall”. La sensazione era quella che in realtà avesse difficoltà a dare un senso ai pezzi, perché uscisse con un concept che lo convincesse appieno. D’altronde si parla di un artista che in soli 6 anni, tra il 1973 ed il 1979, aveva partorito 4 autentici capolavori con i Pink Floyd.
Nel suo processo evolutivo (non solo musicale, ma umano) Roger Waters sorprende ancora, a 73 anni suonati è capace ancora di rinnovarsi e di rimettersi in discussione. Dichiarò negli ultimi tempi che il suo lavoro era quasi completato, come radiogramma in cui un vecchio irlandese portava in giro per il mondo il nipote cercando delle risposte a domande fondamentali. Questo radiogramma invece divenne solo la demo per quello che sarà il produttore di quest’ultimo album: Nigel Godrich. Non è mai stato un segreto l'apprezzamento di Rog per “Ok computer” dei Radiohead ed insieme al suo nuovo e giovane direttore artistico, Sean Evans, contattò il loro storico produttore (un vero “Deus ex machina”) prima per il mixaggio di “The wall-live” ed ora per la produzione di questo “Is this the life we really want?”. Immaginare Roger Waters farsi guidare nella scelta dei pezzi, dei musicisti, negli arrangiamenti…è già clamoroso, ma intelligentemente capì che l’album doveva uscire con un suono più contemporaneo, diverso ancora da tutto quello che aveva già fatto. Pezzi relativamente brevi, nessun assolo di chitarra, niente di roboante, niente di palesemente, dico palesemente, floydiano (in realtà c'è una miscela di accenni all'intera storia floydiana). Ci sono tutte le minuzie watersiane invece: voci radiofoniche, urla, gorgheggi, vetri frantumati, allarmi, gabbiani e gli incessanti ed inesorabili ticchettii dell’orologio, del tempo che passa e scandisce… il bel “timing sussurrato” del nuovo batterista Joey Waronker. I musicisti del megatour di “The wall” sono stati tutti sostituiti da quelli nuovi della scena statunitense, fidi di Godrich: Jonathan Wilson (chitarre), Gus Seyffert (basso), il duo Lucius (cori) e soprattutto Roger Manning e Lee Pardini (alle tastiere) che si riveleranno nevralgici nel suono dell’intero album. Sono le tastiere a svolgere ruolo predominante e fondamentale nell’articolazione dei pezzi, il piano scandisce e puntella i testi bellissimi e, come sempre, angosciati ed irriverenti di Waters. E’ un Waters meno prolisso e più immediato e la cover dell’album spiega bene questo: l’intenzione è quella di imparare a leggere tra le righe, a cogliere l’essenziale. Cos’ è essenziale? Il tema sociale e  politico è concentrato ora sulla Paura, la Paura che divide e ci rende muti, piccoli ed “insignificanti”  come formiche di fronte ad una vita “ingiusta”. La domanda che apre l’album è appunto: “Perché i bambini vengono uccisi?”. “When we were young” è il breve intro ripetuto da una voce occlusa e che poi si definisce, si coglie quella “Speak to me” che apriva “The dark side…”…i riferimenti ai Floyd ci sono su tutti i pezzi, brevi accenni con un intento che si svelerà! Nella successiva “Deja vu” Roger si immagina Dio, cosa avrebbe potuto fare di meglio se questi uomini vanno per autodistruggersii…”se fossi un drone avrei paura di trovare qualcuno a  casa, forse una donna in cucina, che cuoce il pane, prepara il riso o semplicemente bolle alcune ossa”, mentre i banchieri ingrassano, mentre il Tempio è in rovina. Musicalmente il pezzo è una ballad intimista: voce, chitarra, piano e archi (bellissimi quando questi “decollano con il drone”). Forte richiamo a “Mother” ma anche alle sonorità tipiche dell’intero “The final cut”. Il ritmo ipnotico e struggente di “The last refugee” è già punta di vertice nell’album. Il corpicino senza vita del piccolo Alan Kurdi, riverso su una spiaggia turca, è l’ispirazione sul tema dei migranti. Il sogno di una donna che dice “addio” al figlio mentre dà un ultimo sguardo al mare. La voce di Waters è emozionante, il piano accompagna, ma il levarsi finale degli archi che sembrano ondeggiare sono la perla sensazionale del pezzo, che termina tra i sibili dei gabbiani. La tensione cresce e le sonorità si fanno anche più rock con “Picture that”, song di denuncia sugli orrori contemporanei: “i danni dei social network con i suoi followers e la smania di filmare qualunque cosa”, “leader politici senza cervello”… Forte il richiamo alle sonorità di “Animals”, le tastiere spaziano ariose nel ritmo incessante e claustrofobico, spazio anche per i cori tanto cari a Roger, e le rullate finali di Mason, ehm, Waronker! Suoni tribali introducono “Broken bones”, altra ballad per voce, chitarra acustica ed archi in cui si inseriscono le urla watersiane, quelle rabbiose ed insanguinate. Roger canta alle nuove generazioni di gettare quello che i loro padri hanno costruito, perché la Seconda Guerra Mondiale non sembra sia servita, perché l’Umanità non sa essere libera e con le ossa ancora rotte  “Non possiamo portare indietro l’orologio, non possiamo tornare indietro nel tempo, ma possiamo dire: vaffanculo, non ascolteremo le vostre stronzate e menzogne”. In quest’ atmosfera di denuncia e protesta, può iniziare il vertice lirico e musicale dell’album: prima con “Is this the life we really want?” e poi con “A bird in a gale”. La prima è una poesia musicata all’interno di un ritmo ipnotico e drammatico, puntellato meravigliosamente al piano ed inserimenti straordinari degli archi, il parlato di Roger diventa sempre più straziante e magnetico. Le note elettriche della chitarra strimpellata in modo ossessivo e delicato rimandano tanto ai Radiohead, tanto. La paura è il tema del pezzo: quella paura che ci tiene tutti in linea, fermi e muti come formiche: le formiche ora si aggiungono tra cani, maiali, pecore…quelli di orwelliana memoria! “L’oca è grassa” ma “la paura spinge i mulini dell’uomo moderno…la paura di tutti quegli stranieri, la paura dei loro crimini”, e “ogni volta che un imbecille diventa presidente, uno studente viene investito da un carro armato, un giornalista imprigionato, ogni volta che qualcuno muore per raggiungere le chiavi…”, è colpa delle formiche che siamo, “incapaci di distinguere il dolore che altri provano, per esempio, nel tagliare le foglie…e storditi dai reality”. “E’ perché siamo tutti in piedi, silenziosi ed indifferenti”. Il secondo pezzo canta echi di possibile fuga ma un destino avverso non è neutralizzabile. Siamo uccelli in una gabbia e fuori “Il cane gratta alla porta, il bambino annega in mare, posso addormentarmi sul pavimento?, nella storia c’è posto per me?”. Musicalmente il pezzo più sinistro, astruso dell’intero album: le note del piano dettano l’allarme, il cantato sembra deviato come le sonorità distorte all’interno di un atmosfera straziante, clustrofobica. Neanche gli echi di campane redimono nell’incessante ticchettio di una macchina agghiacciante: sembra quella di “Welcome to the machine”! Il clima si addolcisce con la successiva e bellissima “The most beautiful girl in the world”, già alle prime note al piano tanti brividi sulla condizione della donna, cosi’ delicata ed ambigua. Un pezzo che potrebbe stare benissimo in “Amused to death”, piano, archi e cori femminili nel finale. “Smell the roses” è il primo single, l’unico pezzo effettivamente subito etichettabile ed a forte richiamo floydiano, con il suo giro alla “Have a cigar”… ma c’è spazio anche ai cani e ad un brevissimo  accenno chitarristico stridente, alla Gilmour ecco! Dopo tanta Compassione e Colpa è il momento di cercare Soluzioni e la soluzione è l’Amore. Non in senso pleonastico e popolare ma “È un viaggio che parla della natura trascendentale dell’amore. Di come l’amore ci può aiutare a passare dalle nostre attuali difficoltà a un mondo in cui tutti possiamo vivere un po’ meglio”, e ancora “L’amore, se siamo abbastanza fortunati ad essere esposti ed abbastanza coraggiosi da abbracciarlo, ci può trascendere dal mondano al sublime” ci spiega Roger Waters. Gli ultimi 3 pezzi sono in realtà collegati, è una suite ma non lo risulta formalmente (altra piccola novità). La sublime cantilena di “Wait for her” è giocata su un breve e ripetuto giro di accordi al piano, “raccontata” in un atmosfera rarefatta e garbata accompagnata dall’acustica e dai gabbiani in sottofondo, con un refrain irresistibile e solenne. Aspettare una donna e prendere coscienza dell’importanza del suo amore, saperlo riconoscere, perché a lei sono riservate le speranze di un mondo migliore. “Oceans apart” è il brano di raccordo con la voce più "nasale" di Roger e “Part of me died” chiude più “convinto” le speranze di “Wait for her”. Questo disco si chiude così, nell’emozione di conoscere la potenza che suscita e trasmette  la vita ed il valore di un uomo, di un artista superiore: Roger Waters. Il Waters di “Siamo tutti cani rognosi meritevoli dell’estinzione” è lo stesso che dice “Solo l’amore può salvarci”, forse niente di illuminante, ma l’uomo Waters è quello che  a quasi 74 anni supera la sua fama,  e lotta ancora in prima persona contro tutti i folli Poteri che hanno fatto diventare la morte di suo padre la morte di tutti i deboli e gli innocenti. Roger non ha regalato un altro bel disco Rock dalle schitarrate che si fanno ricordare, ma un piccolo, diverso gioiello musicale in cui prevale delicata la coesione dei tanti dettagli che si fanno apprezzare solo meglio in cuffia. Godrich questo lo ha capito fin da principio ed ha saputo valorizzarlo e realizzarlo al meglio.
Best tracks: "The last refugee", "Is this the life we really want?", "A bird in a gale". 8/10
 

Il Guru olandese Arjen Lucassen partorisce l’ennesimo concept album con le sue amate radici fantascientifiche. Mondi, scenari  e personaggi fantascientifici sono il timbro del suo progetto Ayreon da oltre 20 anni e, nell’astrusità e complessità della sua musica, il simpatico polistrumentista ha saputo ritagliarsi coerentemente e devoziosamente il suo pubblico affezionato. Ancora una volta cattura in sala di registrazione molti cantanti noti (vi spicca ancora James LaBrie) per l’interpretazione dei diversi personaggi che si avvicendano nella sua fantastoria, ma questa volta anche autentici guitar-heroes come Guthrie Govan e Paul Gilbert e special guest come Mark Kelly dei Marillion. L’album abbandona le sonorità più prog ed elettroniche di “The theory of everything” o del suo solista “Lost in the new real” e si reimmerge nelle atmosfere pompose, folkeggianti ed anche metal, molto metal. L’album è lunghissimo ed articolato in doppio CD, e come sempre packaging curatissimo. La prima traccia “The day that world…” ne sintetizza bene l’intero album: riff portentosi ed avvincenti, bel solo di Mark Kelly e poi spazio a quello chitarristico. La successiva “Sea of machines” ha una struttura più folk evidenziata dal violino di Ben Mathot ma poi si snoda su un arpeggio di chitarra davvero trascinante, ripreso poi in “The human compulsion”. “Everybody dies” Ayreon 100%. “Star of Sirrah” epica ed articolatissima, con bel guitar solo. Il folk di “All that was” cavalcato dalle due vocalist femminili. Tra i pezzi più tirati c’è la successiva “Run apocalypse run!”, che contiene un bel keyborad solo. La conclusione del primo CD è affidata a “Condemned to live”, tra i pezzi più riusciti e bell’intervento di LaBrie. Il secondo CD inizia senza particolari discostamenti con quanto finora descritto. Segnalo 2 bei soli di tastiera e chitarra in “The dream dissolves”, l’orientaleggiante “Deathcry of a race” e la molto purplelliana “Into the Ocean”. L’incedere atmosferico di “Bay of dreams” introduce la mettallara “Planet Y is alive”. Poi continua ancora, ma è decisamente troppo… Arjen si dilunga troppo e appesantisce (anche per esigenze liriche), rendendo poi poco “digeribile” l’inevitabile complessità di progetti così ambiziosi quanto lodevoli.
Best tracks: "The day that the world...", "Sea of machines", "Condemned to live". 6/10
 

Secondo lavoro per la band dell’attivissimo John Mitchell, geniale e virtuoso chitarrista (già con gli Arena, Frost, Kino…). Il prog melodico e raffinato della band, che include Craig Blundell alla batteria, ruota intorno ad un concept molto caro al chitarrista ed i pezzi pur se in classica forma canzone acquistano una coesione che contribuisce a rendere il disco ancor più interessante. L’intro pianistico e atmosferico di “Deep sleep” crea subito grandi aspettative, confermate  dalla poppeggiante “Awakenigs” e soprattutto da “Sigma”, molto vicina ai territori degli ultimi Arena, gran ritornello, riff portentoso e gran lavoro finale di Blundell. Il sound si acquieta con “In floral green” in cui un cantato “sillabato” si unisce ad una melodia pianistica fascinosa, rendendo il pezzo tra i più riusciti. Ancora superArena con “Everglow” ed ancora un trascinante ritornello a farla da padrone con annesso intermezzo strumentale, stupendo. La sincopata “False lights” contiene ancora un accattivante ritornello che dialoga con accenni di nu jazz prima ed epicità tastieristica poi. Dopo la tiratissima “Symbolic”, la più tranquilla e melodica “The divine art of being”, entrambe includono brillanti interventi chitarristici. E’ il momento del pezzo più epico e prog dell’album: “The big dream”. Dopo un intro in chiaro stile Arena prima maniera, con chitarrismo alla Echoes dei Floyd e solennità tastieristica, il pezzo entra in sentieri astrusi, quasi Crimsoniani. Atmosfera drammatica che sfocia nel bellissimo fraseggio elettrico di Mitchell. Vale il disco! L’epilogo è affidato alla giusta e sussurrata “Hello world, goodbye” (con Mitchell sempre in evidenza) ed alla melodica  e pianistica “Sea beams”, qui interviene anche il flauto ad accompagnare questo disco favoloso! Mitchell non è solo un incredibile chitarrista, dal gusto e stile gilmouriano, ma un geniale compositore.
Best tracks: “Sigma”, “Everglow”, “The big dream”, “In floral green”.  8/10

L’ex tastierista di Japan e Porcupine Tree firma dopo quasi 10 anni un nuovo lavoro solista, ma una parentesi in cui non è stato mai nell’apatico torpore artistico,  considerando i 2 lavori in collaboazione con Steve Hogarth. Quest’ultimo “Planets+Persona” rappresenta certamente il suo disco più maturo, articolato ma coeso, in cui musicisti italiani e svedesi lo coadiuvano nella registrazioni di brani ispiratissimi con l’inclusione dei più disparati strumenti.
“Solar sea” è ambient intriso di nu-jazz, la successiva “New found land”  prosegue sulla stessa direzione ma la tromba di Luca Calabrese ed una batteria pulsante ne accentuano la meraviglia. Con “Night of the hunter” si svolta nei territori della World Music, iniziali suoni acustici vengono scalzati dall’irruzione di un tappeto percussivo elettronico in un incedere spaziale. “Interstellar Medium” riporta nei territori ambient. “Unholy” gira su un impercettibile quanto sorprendente e bellissima melodia al piano, contrappuntata dai piu disparati timbri strumentali…da  segnalare la voce ed il sax di Lisen Love.  La delicata “Shafts of light” introduce la conclusiva  e robotica “Solar storm” che progredisce in una rarefatta atmosfera free-jazz. Disco bellissimo, ideale per una ricca e versatile dimensione meditativa.
Best tracks: “Unholy”, “Night of the hunter”, “Solar storm”. 8/10

Prolifico come nessun’altro, l’ex chitarrista dei Genesis ha trovato da tempo la giusta e consolidata band e l’entusiasmo di suonare, anche live. Album a ripetizione, sempre di livello ma nessuno lo si ricorda come capolavoro (mi piacque molto “Darktown” del 1999 e “To watch the storm” del 2003), ed anche quest’ultimo non aggiunge nulla di strabiliante a parte l’inserimento di molti strumenti “etnici” (tar, didgeridoo, duduk, quena…) a puntellare le marcate orchestrazioni. “Behind the smoke” apre cadenzata ed orientaleggiante l’album, “Martian sea” ha tanti cori e poi finisce con bel fraseggio di chitarra a duettare con un orchestrazione “sitar oriented” (segnalo Nick D’Virgilio alla batteria), “Fifty miles from the north pole” marca un’ atmosfera misteriosa e tenebrosa in cui Hackett tesse magnificamente la trama e cori fanciulleschi ad apportarne ariosità. “El nino” è uno show chitarristico in cui l’elettrica va a duettare con interessanti orchestrazioni. Dopo l’acustica “Other side…” arriva il brano più coeso e convincente: “Anything but love”. Ancora intrecci vocali e corali interessano “Inca Terra” dal sentore etnico e molto YES, ma poi nel finale, come spesso accade, è un poderoso lavoro chitarristico di Hackett a volere “l’ultima parola”. Idem per la folkeggiante “In another life”. “In the skeleton gallery” è una di quelle track che distinguono l’atmosfera di tutti i lavori del chitarrista. Con “West to east” Hackett ammicca tra ritornello e orchestrazioni, e chiude con quelle note elettriche di “The gift”che lo hanno reso celebre, dolcemente.
Best tracks: “Anything but love”, “El nino”, “ Behind the smoke”. 7/10
 

L’atto musicale conclusivo a nome Deep Purple sembra sia stato dichiarato essere proprio quest’ultimo lavoro.  Un album molto propagandato ed etichettato come tra i loro lavori più Prog. Io non ci ho trovato quasi nulla di Progressive e, ancor più, di interessante, a differenza invece del precedente “Now what?!” del 2013. Di quel poco rimasto della storica band originale ho scoperto invece il brillante lavoro di Don Airey alle tastiere e la conferma del guitar-hero Steve Morse. Proprio nel pezzo di apertura emergono i citati nell’incalzante incedere di “Time for Bedlam”. Il single “All I got is you” è di quelli che da solo potrebbe valere l’acquisto: atmosferica ed intensa, bella prova al microfono di Ian Gillan.
Tra i vari pezzi anonimi però emergono e segnalo anche la trasognante “The surprising” ed il pezzo davvero vicino al prog: “Birds of prey”. Qui i musicisti tutti spolverano il loro mestiere ad arte, e nel finale Morse sprigiona al meglio la sua perizia chitarristica.
Best tracks: "All I got is you", "Birds of prey".  6/10

Il progetto "Electronica" era "solo" una sperimentazione ed una preparazione per il nuovo capitolo "Oxygene". Ancora un uscita discografica, ed il Maestro dell'elettronica fa ancora centro. Supercentro. Un nuovo viaggio astrale ed ancestrale fatto di suoni superbi, di sequenze incantevoli.
Le collaborazioni di "Electronica" hanno dato nuova linfa e nuove ispirazioni, soprattutto in termini di utilizzo dei suoni. L'apertura pt.14 ci introduce nel "trip" cosmico e già ci sembra di volare in un universo di suoni spettacolari: base ad incedere, linea melodica ed il suo Arpa Laser a fare da contrappunto. Niente di meglio! Con la successiva pt. 15 sembra già di dondolare in uno spazio vacuo, un buco nero, con incredibili suoni sincopati sulla stessa base e linea melodica percepibile appena, ma il tanto che basta per la "trance" ineluttabile in cui si è immersi. La pt. 16 ormai conduce in una direzione precisa, dopo la sospensione ed il mistero creto dai primi 2 pezzi. Una linea melodica precisa ma ancora transitoria, un introduzione alla pt. 17. Questo è il pezzo hit, quello che si fa ricordare e canticchiare, a bocca  chiusa ovviamente! Ma anche ad occhi chiusi. E la pt. 18 ce li fa tenere proprio così, breve ed etereo intermezzo. Con la pt. 19 si viene di nuovo catapultati in uno spazio misterioso e dopo un paio di minuti una nuova linea melodica ci sembra condurre e accompagnare fiduciosamente da qualche parte, però sempre indefinita e precaria. Improvvisamente un organo solenne sembra ci segnali l'arrivo in un posto definito: è l'ultima parte. Silenzio, gorgoglii, cigolii che si aprono ad una sequenza di note lunghe, lunghe, ampie  e solenni, stile M83. Brividi, brividi e brividi di un viaggio intergalattico ma direi meglio di un esperienza avvicinabile ad un coma, musicale.
Capolavoro assoluto.
Best tracks: "pt. 14", "pt 15", pt. 17", pt. 20".  9/10

A dare un seguito al magnifico “March of progress” di 2 anni fa, ci pensa questo nuovo gioiello musicale di una  band che ha avuto diversi cambi di formazione ma che stavolta trattiene ancora l’ugola Damian Wilson. Ed è la sua voce incisiva e profonda  a marchiare meravigliosamente  la loro musica. Sound sempre potente e perfettamente bilanciato tra gli strumenti. Il chitarrista e leader Karl Groom traina le composizioni con i suoi arpeggi e riff magistralmente poi legate ed impreziosite dal gusto timbrico e armonico del fido tastierista Richard West. “The box” è il pezzo piu articolato e prog, “Lost in memory” e “Autumn red” Threshold-Style al 100% con ritmica martellante su tappeti  arpeggiati e refrain, “The mystery show”ha il refrain epico ed epocale che si canta a squarciagola senza mai stancarsene e dimenticarsene, ma è “Siren Sky” il vero gioiello dell’album. L’intermezzo strumentale (poco prima del quarto minuto) di guitar solo e successive fughe di pad è un brivido che ipnotizza e non si vorrebbe mai terminasse!
Best track:  “The box”, “The mystery show”, “Siren sky”. 8/10

La leggendaria voce del Rock ritorna con toni sussurrati e raffinati, ma mai in modo banale o scontato. Anche quest’ultimo album rimane in un contesto folk intriso di elettronica (“Little Maggie”) e sonorità medio-orientali (“Pocket of golden”). Grande equilibrio dei suoni ed il bel timbro vocale di Plant che emerge all’interno di composizioni piacevoli ma non indimenticabili. “Turn it up” rimanda ai vocalizzi Led Zeppelin, “House of love” all’era di “Fate of Nation”, “Astolen kiss” è un intima ballata pianoforte  e voce, “Up on the hollow hill” ballata intrisa di elettronica, “Embrace another fall” il pezzo più coinvolgente.
Best tracks: “Little maggie”, “Embrace another fall”. 7/10

Accantonati gli esordi doom-metal, il leader Mikael Akerfeldt trascina la band ormai verso sonorità progressive dei Seventies e Svalberg domina la scena nell’album con un organo onnipresente ed ispirato. I pezzi sembrano uscire dagli ultimi lavori di Steve Wilson (che collabora da tempo con la band), epici cori strasbordano un po’ ovunque ma c’è spazio anche allo space-rock di “Goblin” a richiamare anche gli Ozric Tentacles. Il finale (“Faith in others”) è struggente, archi e cantato non si lasciano dimenticare ed il motivo portante è di quelli che cullano ed ipnotizzano. Un pezzo capolavoro!
Best tracks: “Eternal rains will come”, “ Moon above, sun below”, “Goblin”, “Faith on others”. 8/10

La formazione cambia ancora il cantante: Benoit David lascia il posto a Jon Davison, non è Jon Anderson ma il timbro vocale è ancora molto simile! Davison partecipa alla composizione di molti pezzi ma la musica purtroppo non decolla quasi mai, vira verso sentieri piu Pop ma senza l’ispirazione che caratterizzò invece la tentazione commerciale di album come “90125” o “Big Generator”. Sembra piu un ibrido del periodo “Tormato”, la fase più buia della storia musicale Yes! Grazie alla ballata di “to Ascend” ed il prog epico e seventies di “Subway walls” l’album può comunque essere acquistato. Bella la cover art di Roger Dean.
Best tracks: “to ascend”, “Subway walls".  6/10

With this album  Anathema have confirmed and strengthened their absolute musical value  in terms of melody and emotional sound from year to year and from album to album. "Distant satellites" has the drawback to repeat for the third consecutive album the same structure and sequence composition but it always maintains his emotional contribution. The highly successful suite in 3 parts "Untouchable" is here replaced by "The Lost Song", with the same convincing vocal contributions of Lee Douglas that gives "anathemic" chills in part 2! "Ariel" is a lovely vocal duet between Lee and Vincent Cavanagh with a little 'folk' taste. "Anathema" seems to be their worthy and summary musical manifesto, obsessive and relentless till a dominant first electric guitar which usually "lies behind the scenes." This time the hard rhythms are more vibrant thanks also to the versatile Daniel Cardoso's contribution. "You are not alone" seems to wink to Radiohead and "Firelight" introduces the most successful and engaging piece with an floydian organ, which is the title track. "Distant Satellites" is an atmospheric, relentless, haunting and hypnotic, built on a solid and slightly electronic rhythmic base.
Best tracks: "Distant satellites," "The lost song part 2", "Anathema".  7/10

The genious inventor of Ambient Music has just made a new collaboration: Karl Hyde of Underworld (band of House Music and Electronics). This "Someday World" is one of his most successful and inspired works of the last 10 years. A series of rhythmic and melodic pieces, original and abstruse enough, with a strong use of wind and percussion instruments and a few sampler to connote a "seventy and eighty" sound. "Mother of a dog" seems to come out of the hat of Depeche Mode.
Best tracks: "The satellites", "Witness", "Strip it down."  8/10

"The road of bones" is the tenth studio album of this glorious band in prog scene. They usually make a new interesting album every five years but this is their masterpiece since "Subterranea" of 1997. Since that album, the band has changed his  bassist John Jowitt and keyboardist Martin Orford who have been replaced by Mark Westworth first and then by Neil Durant. Although several changes of the line-up Holmes and Nicholls have always been able to make good level standard albums and the last one represents the best quality of their music ever. "From the outside in" starts with rousing riffs and refrains part in a great sweep to introduce the atmospheric and colorful "the road of bones". Durant shows his best value and contribution to the composition, the sound looks after every detail and its ivory keys give strong emotions. "Without walls" is the most progressive and epic of the album and the vocal timbre of Nicholls gives its best. "Ocean" is a beautiful ballad with a lulling rhythm, and enjoy all the upbeat. This would be enough to close a superb album but the IQ want to give a second album (for a  "limited edition CD") of other great music (rhythm section in evidence, "Ten Million demons" and "Hardcore" above all).
Best tracks: ALL tracks!  9/10

The British band essayed the trip-hop, electronics, the progressive and now embarks on a "small" soundtrack, again with good results. After many alternations in the band Keeler, Griffiths, Berrier and Pen seem to have found a consolidated dimension. The album takes not more than 30 minutes and the "leitmotif" that drags the whole work is mesmerizing sequence of "Axiom". The famous vocals are entrusted to a beautiful and poignant "Distorted angels" and more rhythmic "Baptism." "Transmission completed date" is the most magnetic and percussive piece. A beautiful work but it does not add much more to what has been done by the band.  
Best tracks: “Axiom”, “Transmission data terminate”.  7/10

A Fourth album after Wetton's return, who was replaced by John Payne during his long and successful stint in the band. Just as the predecessors,  "Gravitas" is also a good album in full Asia Style, a kind of melodic and rousing rock where there are the beautiful vocal lines of a great Wetton at his best, the rhythmic section is more obvious and the keyboards are limited to enhance rather than to tow. These are the emerging elements rising from the album with the contribution of  a young skilful guitarist, such as Sam Coulson,  who replaced the legendary Steve Howe, being busy with the YES.  The disc starts with the pulsating and engaging hit single "Valkyrie". Then the beautiful "Gravitas", that  besides including a moving progression of piano notes supporting beautifully the piece, also compels a final guitar solo of an extraordinary Coulson! "The closer I get to you" contains vocals like Yes style, "I would die for you" was retrieved from the suspended archives (1986) and finally successfully created, "Joe DiMaggio's glove," is a ballad with a refrain not to forget.
Best tracks: "Valkyrie", "Gravitas", "Joe DiMaggio's glove". 7/10